Das Leben und die Karriere von Jean-Michel Basquiat, einer der bekanntesten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst, waren sehr interessant. In nur wenigen Jahren wurde er vom Obdachlosen zu einem der berühmtesten Künstler der Welt! Er war eine der Schlüsselfiguren, die die Street Art der breiten Masse nahebrachten und dafür sorgten, dass sie als echte Kunstform respektiert wurde. Sein Stil inspiriert die Menschen noch Jahre nach seinem Tod, besonders uns hier bei balthasart. Tauchen wir also ein in sein Leben, das einer Achterbahn gleichte!
Kindheit und Jugend
Der Kunststar, der die Welt der Kunst für immer verändern sollte, Jean-Michel Basquiat, wurde 1960 in Brooklyn geboren. Seine Mutter wurde ebenfalls in Brooklyn geboren, allerdings in einer Familie aus Puerto Rico, und sein Vater war ein Einwanderer aus Port-au-Prince, Haiti. Diese Mischung aus Herkunft und Kultur führte dazu, dass der junge Jean-Michel sowohl Französisch und Spanisch als auch Englisch fließend beherrschte. In seiner Jugend liebte er die französische symbolistische Poesie in ihrer Originalsprache, was später einen Einfluss auf seine Kunstwerke als Erwachsener haben sollte. Basquiat war kein gewöhnliches Kind. Sein Talent für die Kunst zeigte sich schon früh in seiner Kindheit, als er dank der Ermutigung seiner Mutter und den von der Arbeit seines Vaters als Buchhalter mitgebrachten Materialien zu zeichnen und zu malen lernte. Seine Wissenslust und diese Ermutigung zur Kreativität wurden noch dadurch verstärkt, dass Basquiat und seine Mutter viele Museumsausstellungen in New York besuchten, und im Alter von 6 Jahren wurde Jean-Michel als Juniormitglied im Brooklyn Museum aufgenommen.
Sein Leben sollte sich dann im wahrsten Sinne des Wortes grundlegend ändern. Im Alter von 8 Jahren wurde Basquiat beim Spielen auf der Straße von einem Auto angefahren und musste sich einer Operation unterziehen, bei der seine Milz entfernt wurde. Dieser Kampf wurde zu einer seiner größten Inspirationen, denn er las daraufhin die berühmte medizinische und künstlerische Abhandlung Gray’s Anatomy, die ihm seine Mutter während seiner Genesung gab. Die grafischen, biomechanischen Bilder dieses Buches, gemischt mit den Einflüssen der Comics und Cartoons, die der junge Basquiat liebte, fügten sich perfekt zusammen, um die charakteristischen, mit Graffiti beschrifteten Leinwände zu schaffen, für die er berühmt wurde!
Ein weiterer Wendepunkt für den jungen Jean-Michel war die Scheidung seiner Eltern. Basquiat lebte allein mit seinem Vater, nachdem seine Mutter aufgrund ihrer psychischen Probleme für ungeeignet befunden worden war, sich um ihn zu kümmern. Nachdem er von seinem Vater körperlich und seelisch misshandelt worden war, lief Basquiat schließlich von zu Hause weg und wurde von der Familie eines Freundes adoptiert. Obwohl er sporadisch die Schule in New York und Puerto Rico besuchte, brach er schließlich im Alter von 17 Jahren die Schule ab. Auch wenn dies damals wie eine schlechte Entscheidung erschien, brachte es Basquiat in die Szene, in der er aufblühen sollte.
SAMO
Basquiat war ein wahrer rebellischer und einzigartiger Geist und hatte nie eine wirkliche formale Ausbildung. Er besuchte nie eine Kunstschule und fiel in den Kunstkursen, die er in der Schule belegte, sogar durch. Er zog es vor, sich von der Welt um ihn herum inspirieren zu lassen und sich von seiner Neugierde leiten zu lassen, während er sich viele Dinge ansah. Auf diese Weise lernte er etwas über Kunst, indem er sie betrachtete. Basquiats Kunst war fest in der Graffiti-Szene von New York City in den 1970er Jahren verwurzelt. Nachdem er sich in einer Theatergruppe engagiert hatte, entwickelte er die Figur SAMO (ein Akronym für „Same Old Shit“). SAMO war ein Mann, der versuchte, den Zuschauern eine falsche Religion zu verkaufen. Im Jahr 1976 begannen er und ein befreundeter Künstler, Al Diaz, unter diesem Pseudonym Gebäude in Lower Manhattan zu besprühen. Die SAMO-Kunstwerke bestanden hauptsächlich aus Text und vermittelten eine Anti-Establishment-, Anti-Religions- und Anti-Politik-Botschaft. Die Textbotschaften wurden von Logos und Bildern begleitet, die später in Basquiats Solowerken auftauchen sollten, insbesondere sein berühmtes Motiv einer dreizackigen Krone.
Die SAMO-Arbeiten erregten in den New Yorker Underground-Kunstkreisen und in der Gegenkultur-Presse bald großes Aufsehen, insbesondere in der Village Voice, einer Publikation, die Kunst, Kultur und Musik dokumentierte und sich vom Mainstream abgrenzte. Basquiat und Diaz hatten eine Meinungsverschiedenheit und beschlossen, die Zusammenarbeit zu beenden, woraufhin Basquiat das Projekt mit einer sehr direkten Botschaft beendete: SAMO IS DEAD. Diese Botschaft erschien 1980 an der Fassade mehrerer Kunstgalerien in SoHo und an Gebäuden in der Innenstadt. Nachdem Basquiats Freund und Street-Art-Legende Keith Haring die Erklärung zur Kenntnis genommen hatte, inszenierte er eine fingierte Beerdigung für SAMO im Club 57, einem Nachtclub im Untergrund.
Während seine Kunst immer mehr an Bedeutung gewann, lebte Basquiat noch nicht in Saus und Braus. Er war häufig obdachlos und gezwungen, in den Wohnungen von Freunden oder auf Parkbänken zu schlafen. Er konnte sich nur durch Betteln, Drogenhandel und den Verkauf von handgemalten Postkarten und T-Shirts über Wasser halten. Er liebte es jedoch zu feiern und besuchte häufig die Clubs in der Innenstadt, insbesondere den Mudd Club und den Club 57. Beide Clubs waren für seine Entwicklung von entscheidender Bedeutung, da sie beliebte Treffpunkte für eine neue Generation von Künstlern und Musikern waren, darunter Keith Haring, Kenny Scharf, der Filmregisseur Jim Jarmusch und Ann Magnusson, die schließlich alle mit Basquiat befreundet waren und mit ihm zusammenarbeiteten.
Weil er so sehr in die Partyszene der Stadt eintauchte, bekam Basquiat immer mehr Möglichkeiten, seine Kunst zu zeigen, und wurde zu einer Schlüsselfigur der neuen künstlerischen Bewegung, die sich zu dieser Zeit in New York entwickelte. So hatte er beispielsweise einen kleinen Gastauftritt als Nachtclub-DJ in dem Musikvideo zu Blondies Rapture, was ihn nur als eine Figur innerhalb der „new wave“ cooler Musik, Kunst und Filme, die von der Lower East Side ausging, bestätigte. Basquiat hatte auch ein ausgeprägtes soziales Bewusstsein und bemängelte den Mangel an farbigen Menschen in der Downtown-Szene, so dass er in den späten 1970er Jahren auch begann, Zeit mit Graffiti-Künstlern in der Bronx und Harlem zu verbringen.
Nachdem seine Arbeiten in die historische Times Square Showvom Juni 1980 aufgenommen worden waren, stieg Basquiats Bekanntheitsgrad immer weiter an, bis er 1982 seine erste Einzelausstellung in der Annina Nosei Gallery in SoHo hatte. Sein unverkennbarer neoexpressionistischer Stil markierte die Rückkehr der Malerei und das Wiederauftauchen der menschlichen Figur in der zeitgenössischen Kunst. Zu dieser Zeit bezog er sich in seinen Werken gerne auf die afrikanische Diaspora und die klassische Americana. Einige dieser Werke wurden Mitte der 1980er Jahre in Einzelausstellungen in der renommierten Mary Boone Gallery gezeigt (Basquiat wurde später vom Kunsthändler und Galeristen Larry Gagosian in Los Angeles vertreten).
Erwachsenenalter
1982 war ein entscheidendes Jahr für Basquiats Karriere. Er eröffnete sechs Einzelausstellungen in Städten auf der ganzen Welt und wurde als jüngster Künstler überhaupt in die Documenta aufgenommen, eine äußerst prestigeträchtige internationale Veranstaltung für zeitgenössische Kunst, die alle fünf Jahre in Kassel stattfindet. In dieser Zeit schuf Basquiat rund 200 Kunstwerke und entwickelte sein charakteristisches Motiv: eine heroische, gekrönte schwarze Orakelfigur. Er ließ sich von Figuren wie dem legendären Jazzmusiker Dizzy Gillespie und den Boxern Sugar Ray Robinson und Muhammad Ali inspirieren. Sein Stil war skizzenhaft und oft abstrakt, denn das Ziel seiner Porträts war es, das Wesen und nicht die physische Ähnlichkeit der Personen zu erfassen. Mit seinem wilden, schneidenden Malstil und seinen dynamischen Strichen wollte er das Innere der Porträtierten, ihre verborgenen Gefühle und ihre tiefsten Sehnsüchte zum Vorschein bringen. Diese Werke unterstrichen auch den Intellekt und die Leidenschaft der Dargestellten.
Zu Beginn der 1980er Jahre hatte Basquiat einen besten Freund in der Kunstwelt, nämlich den berühmten Pop-Art-Künstler Andy Warhol. Von 1984 bis 1986 arbeiteten er und Warhol an einer Reihe von Werken zusammen, darunter Ten Punching Bags (Last Supper) (1985-86). 1985 wurde Basquiat in einem Artikel des New York Times Magazine zum angesagten jungen amerikanischen Künstler der 1980er Jahre erklärt. Diese Beziehung wurde zum Gegenstand von Reibereien zwischen Basquiat und vielen seiner Zeitgenossen in der Innenstadt, da sie Jean-Michel bei seinen Street-Art-Kollegen als jemanden zu kennzeichnen schien, der sich den kommerziellen Aspekten der Kunstindustrie hingibt.
Warhol wurde auch heftig dafür kritisiert, dass er die Talente eines jungen und angesagten farbigen Künstlers ausnutzte, um sein eigenes Renommee zu steigern. Diese Kollaborationen kamen weder beim Publikum noch bei den Kritikern besonders gut an und werden heute oft als minderwertige Werke beider Künstler betrachtet.
Vielleicht aufgrund der schwindelerregenden Höhe seines neu erlangten Ruhms, seines Freundeskreises und des kommerziellen Drucks auf seine Arbeit wurde Basquiat zu diesem Zeitpunkt seines Lebens zunehmend heroin- und kokainabhängig. Mehrere Freunde brachten diese Abhängigkeit mit dem Stress in Verbindung, den die Aufrechterhaltung seiner Karriere mit sich brachte, und mit dem Druck, der auf einer farbigen Person in einer vorwiegend weißen Kunstwelt lastete. Leider starb Basquiat 1988 im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin in seiner Wohnung.
Das Vermächtnis von Jean-Michel Basquiat
Trotz seines kurzen Lebens spielte Jean-Michel Basquiat eine wichtige und historische Rolle bei der Entstehung der Downtown-Kulturszene in New York und des Neo-Expressionismus im Allgemeinen. Leider war er ein Produkt der von Prominenz und Kommerz besessenen Kultur der 1980er Jahre. Basquiat und sein Werk dienen vielen Beobachtern weiterhin als Metapher für die Gefahren des künstlerischen und sozialen Exzesses. Wie die Comic-Superhelden, die seinen frühen Einfluss ausmachten, stieg Basquiat zu Ruhm und Reichtum auf und fiel dann ebenso schnell wieder auf die Erde zurück, wo er Opfer von Drogenmissbrauch und schließlich einer Überdosis wurde. Basquiats Kunst steht heute für diese besondere Periode der gegenkulturellen New Yorker Kunst. Heutzutage gibt es jedoch eine Reihe von kommerziellen Lizenzen für die Reproduktion einiger seiner visuellen Motive. In jüngster Zeit hat Uniqlo eine Reihe von T-Shirts mit Grafikdrucken herausgebracht, und Marken wie Coach und Tiffany’s haben seine Werke oder Motive in ihren Anzeigen und Produkten verwendet.
Die wachsende Bekanntheit Basquiats seit seinem Tod hat auch neue Künstler dazu veranlasst, Werke zu schaffen, die von seinem Werk inspiriert sind oder sich sogar direkt darauf beziehen. Dazu gehören Maler, Graffiti- und Installationskünstler, aber auch Musiker, Dichter und Filmemacher. Sein Einfluss ist in der gesamten Kunstszene spürbar, und sein rauer Stil und seine Kreativität erregen weiterhin die Gemüter von Künstlern und Kunstliebhabern gleichermaßen. Obwohl er eine warnende Geschichte war, kann sein Einfluss nicht unterschätzt werden, und sein Vermächtnis, so scheint es, wird die Menschen noch viele Jahre lang inspirieren.
